L'artista hip-hop Frank Waln sputa le rime dalla prenotazione

Essendo già stato presentato su Vocalo e MTV di WBEZ Musica ribelle, 26 anni, il rapper di Sicangu Lakota, Frank Waln, porta un marchio unico di hip-hop incorniciato attraverso la prospettiva di un uomo sicangu Lakota. Frank si è seduto con noi per parlare del suo viaggio dalla riserva del Rosebud nel South Dakota per essere stato presentato su MTV, produrre arte da una prospettiva indigena e rimanere fedele alla sua storia.

Sei cresciuto nella riserva di Rosebud in Sud Dakota. Le prenotazioni sono progettate per essere remote e isolate geograficamente e culturalmente. Sei stato esposto a un sacco di hip-hop crescendo?

Per la mia generazione, c'era. Ci ho pensato molto ultimamente, specialmente avendo la piattaforma che ho ora, e anche ottenendo una comprensione molto maggiore tra la gente nera e gli indigeni e gli indiani neri. Cercando di riflettere davvero sul motivo per cui l'hip-hop ha risuonato così tanto, con un sacco di nativi dalla mia prenotazione. I nostri genitori sono cresciuti in campagna e rock, ma la mia generazione - io, tutti i miei cugini - ho ascoltato l'hip-hop.

Guardando le mie esperienze, una grande parte del sorteggio era rappresentanza. A quel tempo, non avevamo nessuno, nessun nativo in TV a cui potevamo guardare. I nativi che abbiamo visto in TV erano così stereotipati, così fatti dallo sguardo bianco, ci vedevamo e guardavamo noi stessi e le nostre famiglie e dicevamo: "Non sono io, non siamo noi".

Quando ho iniziato ad ascoltare l'hip-hop - questo era prima di Internet - la musica che ho consumato è passata attraverso le persone che conoscevo. I miei cugini più grandi ascoltavano tutti i tipi di hip-hop: roba della West Coast, roba proveniente dalla costa orientale, persino roba da Houston, in Texas, da etichette indipendenti. Lo guardo indietro e mi chiedo come sia arrivato anche a noi in primo luogo.

Una volta che ho iniziato ad ascoltare quella musica, le cose di cui questi artisti parlano erano cose a cui potevo fare riferimento. Stavo crescendo in una povera comunità di colori, e anche se eravamo isolati, c'erano molti parallelismi. Quindi siamo tutti gravitati verso quelle storie e quegli artisti, perché questo ci rappresentava molto più di Hollywood, degli indiani che vedevamo in TV e di tutte quelle cazzate stereotipate. La musica hip-hop era più vicina alla nostra verità di qualsiasi altra cosa avessimo.

Chi erano le tue influenze musicali?

È stata soprattutto una canzone, "One Mic" di Nas, che mi ha davvero entusiasmato al pensiero di fare musica hip-hop. Quando ho ascoltato quella canzone, ero tipo "Man, voglio farlo. Voglio fare questo tipo di cose. Voglio parlare in questo modo ". Stava commentando la sua comunità, ma anche dicendo" possiamo creare cambiamenti ", ed è stato davvero potente per me. Anche Outkast, perché stavano facendo musica molto onesta, non solo i testi e le battute, ma anche la produzione.

E sono ancora nella musica che i miei genitori hanno ascoltato: Hank Williams, George Strait e Creedence Clearwater Revival. Ascolto ancora quegli album per ispirazione musicale. Probabilmente la mia più grande influenza, per quanto riguarda la musica e la mia verità, è un attivista e poeta indigeno di nome John Trudell. Il suo primo album Voce tribale era lui a recitare poesie su tradizionali canzoni di cerimonia. Probabilmente è il mio album preferito di tutti i tempi.

Come è stato il processo che parte da "Voglio fare questa musica!" Per realizzarlo?

La mia generazione è stata la prima generazione che potrebbe effettivamente produrre musica sulla nostra prenotazione. Veniamo da una delle contee più povere degli Stati Uniti, quindi non c'erano studi; non c'era niente. Ma quando ero al liceo, la più grande scuola della nostra prenotazione ha ottenuto questa concessione che ha fornito ad ogni studente un MacBook fornito con una copia di GarageBand. Ora, non sono andato a questo liceo e ho dovuto risparmiare per comprare il mio MacBook, ma a causa di quella borsa, c'erano molti bambini nella prenotazione che stavano ascoltando l'hip-hop, e ora per il la prima volta, potremmo fare musica sulla prenotazione.

Disponevamo ancora di risorse incredibilmente limitate, ma avevamo GarageBand e un microfono MacBook. Non dovevamo ottenere un contratto discografico, o guidare per cinque ore allo studio di registrazione più vicino e pagare le tasse di studio che non avevamo. All'improvviso, nei primi anni 2000, avevi questa fonte di tutti questi giovani artisti hip-hop indigeni nelle riserve delle Pianure che ora potevano fare musica da casa per la prima volta.

Una volta che i social media sono diventati grandi, ci ha dato una piattaforma per condividere quella musica. Nel passato, solo per entrare in uno studio, o avevi bisogno di un'etichetta discografica o conoscevi qualcuno che ti stava di fronte a soldi o spazio per registrare l'album. E le etichette discografiche sicuramente non si affollavano alle prenotazioni per firmare talenti. Quindi, con i social media, siamo stati in grado di ottenere look mainstream senza dipendere da sistemi che non hanno mai avuto davvero spazio per noi.

Abbiamo parlato dell'isolamento e ciò che molte persone non capiscono è che, quando ci hanno isolato sulle riserve, ha anche interrotto la comunicazione inter-tribale. Ai vecchi tempi, la comunicazione inter-tribale era così importante. Le persone hanno viaggiato e migrato; hanno condiviso conoscenze, storie e arte. Quindi un'altra cosa che i social media ci hanno dato, giovani artisti indigeni, è stata l'opportunità di ricollegare le comunità che sono state importanti per tutta la nostra arte. Prima di tutti i tour e MTV, siamo stati in grado di utilizzare Facebook per promuovere spettacoli sulle nostre prenotazioni.

La musica che stai facendo ora si avvicina alla musica che hai iniziato a fare nei primi anni 2000 o ha attraversato alcune transizioni?

Sono state totalmente le transizioni e le fasi. Quando abbiamo iniziato a fare musica a casa, ci stavamo solo divertendo, amico. Mi guardo indietro e come artista, anche se quelle prime canzoni erano schifose e mi avrebbero fatto rabbrividire ascoltandole, io e i miei amici ei miei cugini ci siamo divertiti così tanto. Immagina per la prima volta; potresti fare qualcosa, creare qualcosa. Anche solo ascoltando la tua stessa voce. Stare lì con i miei amici e cugini a rappare per una stupida merda era davvero eccitante. Non abbiamo mai avuto nulla di simile prima, quindi stavamo scrivendo quante più canzoni potevamo, solo divertendoci.

E poi sono stato in grado di risparmiare abbastanza soldi per costruire un piccolo studio nella cantina di mio cugino e formare un gruppo con amici e familiari. Sono stato io e il mio cugino più giovane Colin, mio ​​cugino Andre Easter, un altro cugino Tom Schmidt e un cantante di nome Kodi DeNoyer. Quindi c'era questo incredibile miscuglio di influenze: Colin e io eravamo bambini di rez, Andre è un tizio nero che si esibiva in Virginia prima di trasferirsi a Rosebud, Tom, un monello militare nero nativo, e Kodi, una cantante di Lakota, tutto portando stili e prospettive diversi. Quindi, tornando alle influenze, la registrazione con quelle persone ha sicuramente contribuito a plasmare il mio suono e stile oggi.

Prima che la tua musica iniziasse a esplodere, eri uno studente prematuro. Parlami di quella transizione.

Appena uscito dal liceo ho avuto questa fantastica borsa di studio, la borsa di studio Gates-Millennium, quindi ho avuto questo biglietto d'oro per andare al college. Non pensavo nemmeno che sarei andato al college fino a quando non avessi preso la borsa di studio. Così sono andato alla Creighton University di Omaha, nel Nebraska, per studiare pre-med per due anni. A quel tempo, stavo ascoltando quello che tutti intorno a me stavano dicendo. Da dove vengo, non molte persone vanno al college, quindi tutti erano come "Frank, questa è la tua occasione. Sii un dottore, fai l'avvocato, torna indietro e aiutaci, aiuta il tuo popolo ".

Volevo assolutamente aiutare, volevo assolutamente essere un guaritore per me stesso e la mia comunità, e in quel momento, anche se essere un medico era l'unico modo per farlo. Così ho fatto il pre-med per due anni, e mi sono quasi distrutto; Ho capito che la medicina non era la mia passione. La musica era, così sono tornato al rez per un anno, e ho deciso di mettere tutto in musica e capire come potrei usarlo come strumento di guarigione e aiuto.

Dopo un anno, ho deciso di tornare a scuola, al Columbia College di Chicago, dove alla fine ho ottenuto la laurea. Ho iniziato a mescolarsi con altri artisti di colore, che mi hanno aiutato a realizzare esattamente come potevo usare la musica come un modo per non solo raccontare la mia storia, ma per usare la musica come mezzo di guarigione. In effetti, è stato questo incredibile professore, una donna di colore di nome Claudette Roper, è stata la prima persona che mi ha mostrato che la mia storia vale qualcosa, e che la mia verità è potente. Il suo consiglio e tutoraggio, ha cambiato la mia carriera e la mia vita.

Hai menzionato quanto sia importante la rappresentazione. Il tuo recente successo arriva con un ulteriore senso di pressione o responsabilità?

È stato durante quel periodo in Columbia che ho iniziato davvero a capire la mia responsabilità di dire la verità e raccontare la mia storia. Sono stato fortunato: la gente ha iniziato a prestare attenzione. Cerco di stare molto attento. Sono un artista non firmato, sono un ragazzino rez da una delle riserve più povere del Sud Dakota, e qui sono intervistato da Playboy e appare su MTV. Nessuno l'ha mai fatto prima, e ne sono molto consapevole. Sono consapevole di ogni passo in avanti, perché sono in acque inesplorate, quindi sono molto attento a come sto rappresentando in questo senso.

Mentre la mia piattaforma progredisce, voglio sempre fare meglio.Come posso fare musica migliore, come posso fare una performance migliore, come posso essere più bravo a guarire? Trovare modi migliori per creare la mia verità, la mia verità e la mia storia in un modo in cui anche le persone al di fuori della mia comunità possano identificarsi. Voglio sempre mettere fuori una canzone o fare una performance che farà impazzire la comunità nativa di rez ma allo stesso tempo, anche gente rock in Germania.

Sei stato in tour negli Stati Uniti e in Europa nell'ultimo anno. Vedete una differenza nel modo in cui vieni ricevuto ora che il tuo pubblico sta diventando più diversificato?

Bene, inizierò dicendo che facciamo lo stesso identico set, indipendentemente dal fatto che siamo sul rez, in un'università negli Stati Uniti o in Germania. La nostra performance è molto simile a VH1 Storytellers. Lo storytelling è molto importante per me come persona, per gli altri artisti con cui mi esibisco, e anche per la mia cultura; i Lakota sono grandi cantastorie. Quindi faccio molta contestualizzazione tra le canzoni; Questo è il motivo per cui ho scritto questa canzone, questo è da dove vengo. Quindi, se sto giocando con i bambini nativi, la contestualizzazione sarà diversa rispetto a uno spettacolo in Germania, diciamo, ma il set sarà lo stesso.

Per quanto viene ricevuto … è selvaggio, otteniamo amore, non importa dove siamo. L'amore è diverso dipende da dove siamo. Sto solo iniziando a far passare la musica oltre il paese indiano, e ora che ho fatto i tour in tutto il paese e sono stato in Europa, sto iniziando davvero a elaborarlo per la prima volta.

A casa, l'amore è più profondo … e forse l'amore è la parola sbagliata, forse è l'apprezzamento. Soprattutto dai bambini nativi. Capiscono quello che sto passando e capisco cosa stanno passando. Quindi, per loro, vedere qualcuno che viene dalla stessa lotta, fare ciò che amano e rimanere fedele a chi sono come un bambino Lakota da una riserva, quell'apprezzamento tende ad essere più profondo. È a casa, quindi mi tiene centrato. Se vado a casa e le persone sono come "Yo, che diavolo stai facendo? Non sei lo stesso Frank! Di cosa stai parlando nella tua musica? "Mi farebbe sapere che ho bisogno di guardare me stesso e capire come sto allontanandomi dal mio percorso.

Al di fuori del paese indiano, la gente apprezza molto la musica e anche la prospettiva. Molte persone non hanno mai sentito nulla della nostra storia. Non hanno mai visto uno spettacolo con danze indigene combinato con questa potente storia. Quando ci esibiamo, lasciamo tutto sul palco, amico. Piango quasi ogni sera sul palco; è lì che ho lasciato fuori tutta la rabbia, tutta la frustrazione, tutto il dolore. Quindi è una performance molto potente. Penso che i non nativi tendono ad apprezzare molto questa prospettiva, e che è stata consegnata in modo così efficace e onesto.

Ed è qui che la musica e l'arte sono così fantastiche. Per esempio, potrei sedermi sul palco e leggere gli stack della politica degli Stati Uniti, ma se riesco a fare una canzone in cui parlo di come quella politica abbia portato a uno specifico evento traumatico della mia vita, e portare l'emozione attraverso lo spettacolo e fa sentire il pubblico quell'emozione, è molto più incisiva. E la gente dappertutto ha apprezzato questo; la storia e l'emozione, prendendo la verità degli indigeni di cui forse non sapevano molto e rendendola reale, qualcosa che possono provare. E sono riconoscente per l'opportunità.

La tua musica proviene sicuramente da una prospettiva indigena, ma anche come artista indipendente, sei stato in grado di creare l'arte attraverso un obiettivo indigeno.

Mentre la mia piattaforma si espande, anche nel modo in cui definisco il "successo", cerco di inquadrare la prospettiva indigena. Sono parte di questo collettivo di artisti indigeni chiamato Dream Warriors, fondato in parte da un'incredibile donna indigena di nome Tanaya Winder. È un'educatrice, poetessa, artista, montatrice per una donna di colore letterario, e ora è la mia manager. Così con lei e altri due artisti hip-hop indigeni che sta gestendo: Mic Jordan nel Nord Dakota e Tall Paul da Minneapolis, abbiamo formato un collettivo. Non abbiamo bisogno di gelosia, non abbiamo bisogno di lottare per un "posto", non abbiamo bisogno di rinforzo … dobbiamo lavorare insieme. Per noi, gran parte del modo in cui definiamo il "successo" è il modo in cui possiamo e sollevarci l'un l'altro e offrire opportunità ad altri artisti.

Come collettivo, abbiamo deciso di prelevare una piccola parte da ogni spettacolo e di destinarlo a un fondo di borse di studio per gli studenti delle scuole superiori natali che desiderano esplorare l'arte nell'istruzione superiore. Vogliamo essere in grado di mettere altri artisti, anche se la musica non è il loro mezzo. Abbiamo persino inquadrato la borsa di studio da una prospettiva indigena: non abbiamo detto "La tua arte deve essere questa, questa o questa", abbiamo chiesto ai candidati di dirci come definiscono loro arte. Il primo anno di applicazione, abbiamo avuto tre candidati: due artisti visivi e uno chef. Per me è stato davvero fantastico, questa giovane donna ha visto la cucina come la sua arte. Questa è una visione molto indigena del cibo e dell'arte: cucinare, nutrire la tua gente, è amore

Da una prospettiva storica indigena, "l'arte" non è così fortemente compartimentata come nel mondo occidentale. Per me, tutto, dalla caccia a Buffalo a mettere un tepee, era considerato una forma d'arte. Si tratta di amore e comunità, e per me esprimere che, in qualsiasi forma, è un'arte che dovrebbe essere apprezzata ed elevata. Quindi, dal nostro collettivo, stiamo cercando non solo di fare musica, ma di portare a casa le opportunità da una prospettiva indigena.

Cosa vuoi che le persone tolgano dalla tua musica?

Onestà. È così enorme sia personalmente che dal punto di vista musicale. Che siano nativi che vivono su una prenotazione e conoscono le storie che sto raccontando, o sono non nativi che non hanno mai ascoltato queste prospettive nella loro vita, voglio che le persone siano in grado di percepire l'onestà nella mia musica. Quindi, ovunque tu sia, puoi dire "OK, questo ragazzo sta raccontando la mia storia!" O "Anche se non conosco questa prospettiva, non c'è modo di sostenere che non sta dicendo la sua verità!"

** Cosa ti viene in mente nel 2016?"

Nei prossimi mesi stiamo facendo spettacoli in tutti gli Stati Uniti e in Canada. Più tardi questo mese saremo alla SXSW, poi alla Lehigh University e all'One Nation Film Festival in Colorado. Ho appena chiuso una residenza d'artista all'Università del Delaware per aprile e la prima parte di maggio. Farò del lavoro sul campus, ma principalmente lavorerò in un ospedale per bambini con un musicologo e musicoterapista che esplora la guarigione della musica con i bambini dell'ospedale. È un modo per continuare ad imparare e continuare a migliorare. Sembra davvero il suo completo cerchio a venire - passando dalla fase pre-med all'utilizzo della musica come strumento di cura per gli altri in un ambiente ospedaliero. Sono molto entusiasta di avere questa opportunità.

Naturalmente, la grande novità è che lascerò il mio primo album da solista più tardi quest'anno. È chiamato Tokiya, che è la parola Lakota per "prima creazione". Una grande parte della mia storia e la storia della mia comunità è il modo in cui la nostra lingua e cultura sono state strappate via come parte del processo di colonizzazione e genocidio. Ho dato uno sguardo duro alla struttura di come viveva la nostra gente: la narrazione, la musica, il linguaggio, in sostanza il modo in cui vivevamo le nostre vite, perché quella è arte per me. Questo album sarà qualcosa di speciale, si tratta di ricollegarsi alla mia cultura e alla mia casa, alla mia guarigione e anche alla più ampia prospettiva di Lakota.

Sto lavorando con un sacco di grandi artisti da casa e da tutto il mondo. Sarà una grande pace artistica musicalmente e anche il modo in cui è inquadrata nella prospettiva indigena, che sono molto autocritica come artista, non sono mai veramente contento di ciò che ho messo fuori, ma non ho mai lo sentivo bene per qualsiasi cosa io abbia mai fatto.